The Fog of War, 2024
The Fog of War (2024) is an interactive installation that explores the artist’s philosophical inquiry into violence through physical interaction. Rather than approaching violence solely as a physical act, the work considers it as a psychological, social, and structural phenomenon.
The artist focuses particularly on the spaces in which violence has been consumed as ‘entertainment’ throughout history—from the arenas of antiquity to the spectacle of the Colosseum—and examines how such mechanisms continue to circulate and reappear in different forms within contemporary society.
The work takes place within a dark space reminiscent of an old theatre. A low ambient sound designed like a resonant drone creates a sense of spatial pressure and tension.
As visitors move through the space, their movements are recorded in real time, causing the particles on the screen to break apart and gather again. Through this interaction, the boundaries between the act of violence and its object become increasingly unstable.
Rather than defining violence as a singular destructive act, the work proposes it as a complex phenomenon that emerges differently according to power, position, and environment. It asks the viewer to consider how invisible forms of violence—social pressure, the exercise of power, and environmental destruction—operate within everyday life.
In this sense, The Fog of War encompasses the artist’s earlier works concerned with the repetitive nature of violent imagery, while expanding the question towards communication itself: what might enable us to move beyond war, division, binary distinctions, and other structures of separation? The work suggests that peaceful communication, like language, may become possible through learning and experience.
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폭력과 상호작용에 대한 작가의 철학적 탐구를 담은 인터랙티브 설치 작업이다.
작업에서 다루는 폭력은 물리적 폭력뿐만 아니라, 심리적, 사회적, 그리고 구조적 폭력까지 포괄하는 개념이다.
특히, 작가는 고대부터 이어져 온 폭력의 공간—예컨대 콜로세움처럼 폭력을 ‘엔터테인먼트’로 소비하던 역사적 장소들—에 주목하며,
이러한 폭력이 현대사회에도 여전히 다양한 형태로 반복되고 순환되고 있음을 탐구한다.
작품은 원형 극장을 연상케하는 검은색 쉬폰 커튼 안에서 구현되며, 로잘린 송이 디자인한 낮은 앰비언트 사운드가 공간을 메워 공간적 압박감을 극대화한다.
공간 안으로 진입한 관람객의 움직임은 실시간으로 레코딩되어 자신의 움직임으로 인해 화면의 입자가 부서지고 붉게 물드는데,
관람객은 폭력의 행위자와 대상 간의 경계가 모호해지는 경험을 한다.
이 과정에서 작가는 폭력을 단순히 가해지는 행위가 아닌, 권력, 입장, 환경에 따라 다각적으로 발생하는 복합적인 현상으로 제시하며,
이를 통해 관객이 폭력의 본질과 역사의 순환성에 대해 성찰하도록 이끈다.
이는 우리가 일상적으로 혹은 무의식적으로 가하는 폭력—예를들어 물리적 압력, 권력의 행사, 환경 파괴 등—이 어떻게 작동하는지에 대한 철학적 성찰을 유도한다.
이처럼 <전장의 안개>는 폭력적 상징의 반복성을 탐구해온 작가의 이전 작업을 포괄하며,
궁극적으로 모든 폭력적 구조를 '부수는' 해방적 메시지와 대안적인 방법을 모색할 것을 제안한다.
전쟁, 편가르기, 이분법과 구별짓기에서 벗어난 평화로운 소통은 교육과 경험을 통해 얼마든지 가능하듯이 말이다.
편견 Prejudice(Mr Darcy) 2024, 아스키아트 영상 looped. 가변사이즈
Pride (Miss Elizabeth), 2024 / Prejudice (Mr Darcy), 2024
The artist began by asking why we so often fail to communicate with one another, and found pride and prejudice to be fitting terms through which to consider this question. The phrase shares its title with Jane Austen’s classic novel Pride and Prejudice. Drawing on its two protagonists, Elizabeth Bennet and Mr Darcy, as symbolic figures, the artist created Pride (Miss Elizabeth) (2024) and Prejudice (Mr Darcy) (2024).
For these works, the artist asked ChatGPT (AI) to analyse the two characters and the works themselves. Based on this analysis, she developed a short fictional continuation of their story and used it to construct a series of image prompts. The resulting images, generated through image-generation AI, were then processed through a visual method the artist has developed across her previous works.
Through a process of coding, the flat images are translated into text-based data and subsequently fragmented. The artist deliberately introduces the moiré effect—a visual interference commonly associated with screens and monitors—to produce an ‘error’ or ‘collision’. This error functions as a trigger, exploiting the perceptual instability that occurs as the viewer attempts to read the image.
The resulting work turns this moment of visual misperception into part of the work itself, using technological error as a condition through which the image is continuously reconstructed in the act of viewing.
작가는 왜 우리는 다른 이와 소통하려 하지 않는가에 대해 연구해 보았고, 이 원인을 표현하기 좋은 단어로 오만과 편견을 생각해냈다. 이는 영국 작가 ‘제인 오스틴’의 로맨스 소설과 제목과 같이한다. 이 로맨스 스테디셀러 고전 문학의 여자, 남자 주인공인 엘리자베스 아가씨, 미스터 다아시를 상징으로 <오만 Pride(Miss Elizabeth) 2024>, <편견 Prejudice(Mr Darcy),2024>를 만들었다.
이 때, 작가는 ChatGPT(AI)에게 이 작품과 이 작품의 두 주인공에 대한 분석을 의뢰하고, 이를 바탕한 그들의 이어지는 가상 스토리를 짧게 구상, 이를 바탕으로 이미지 프로포콜의 결과값을 도출해, 이미지 생성 AI가 재생산한 이미지 이용, 작가가 전작들부터 활용하는 작가의 고유의 표현법을 활용한다. 이는코딩 작업의 과정을 거쳐, 평면 이미지를 텍스트화하고, 이를 해체한다. 이 때 TV나 모니터가 가지는 오류 중 하나인 ‘무아레 효과(Moire effect)’를 일부로 일으켜 ‘오류(충돌)’를 만들고 그 오류를 ‘트리거’로 관객이 이미지를 보는 과정에서의 착각을 작품으로 발현한다.
(오른쪽)편견 Prejudice(Mr Darcy) 2024, 아스키아트 영상. 가변사이즈
관객 리액션 스케치비디오 from <감정의 색체>
사운드에 반응하는 작업의 특성상 관객의 개인정보 보호를 위해 소리는 제거함
Body of Coloured Emotions, 2024
Body of Coloured Emotions (2024) is an interactive webcam-based work programmed by the artist to translate human-generated sound into visual changes in real time. The volume and pitch of different frequencies—particularly low and high tones—affect visual elements such as colour intensity, hue, and clarity, continuously transforming the image on screen.
Using the webcam as both a recording device and part of the work itself, the piece takes on a different appearance in each space in which it is installed. The surrounding environment, the presence of the viewer, and the sounds produced within the space become inputs that continually alter the image. This real-time process reflects the emotional shifts that occur when we encounter and communicate with another person: communication is not fixed, but changes in response to voice, presence, and circumstance.
At the same time, the artist introduces another mechanism into this process of visualising emotion. Although the image appears to respond in real time, what the viewer actually encounters is not the absolute present, but an image from the immediate past. A slight temporal delay is deliberately embedded into the system, allowing the viewer to observe a version of themselves that has already passed.
This temporal displacement reflects the nature of spoken communication. Once a word has been uttered, it cannot remain in the present; the moment it leaves us, it has already become part of the past. The work therefore transforms the webcam from a simple device for reflecting the viewer into a system that exposes the small distance between speaking, perceiving, and remembering.
Through this continuous cycle of sound, image, response, and delay, Body of Coloured Emotions explores emotion not as a fixed internal state, but as something produced and transformed through encounters with others.
감정의 색체 Body of Coloured Emotions, 2024
〈감정의 색체 Body of Coloured Emotions〉(2024)는 사람이 만들어내는 소리를 실시간으로 시각적 변화로 변환하도록 작가가 프로그래밍한 인터랙티브 웹캠 작품이다. 소리를 구성하는 저음과 고음의 크기와 높낮이는 색의 농도와 색채, 선명도 등의 시각적 요소에 영향을 주며, 스크린 위의 이미지를 지속적으로 변화시킨다.
웹캠은 기록 장치인 동시에 작품을 구성하는 하나의 요소로 작동한다. 작품이 설치된 공간의 환경과 관객의 존재, 그 안에서 발생하는 소리가 입력값이 되기 때문에 작품은 놓이는 장소마다 서로 다른 모습을 만들어낸다. 이러한 실시간의 기술적 과정은 우리가 누군가를 만나 소통하는 동안 발생하는 감정의 변화를 대변한다. 소통은 고정된 상태가 아니라 목소리와 존재, 그리고 상황에 반응하며 끊임없이 변화한다.
동시에 작가는 감정을 시각화하는 이 과정에 또 하나의 장치를 개입시킨다. 관객이 마주하는 이미지는 실시간으로 반응하는 것처럼 보이지만, 실제로 보고 있는 것은 완전한 현재가 아니라 아주 직전의 과거이다. 시스템에는 의도적인 시간적 지연이 존재하며, 관객은 이미 지나가 버린 자신의 모습을 관찰하게 된다.
이러한 시간의 어긋남은 우리가 말을 통해 소통하는 방식과 닮아 있다. 한 번 입 밖으로 나온 말은 현재에 머물 수 없으며, 우리에게서 떠나는 순간 이미 과거의 일부가 된다. 따라서 이 작품에서 웹캠은 단순히 관객의 모습을 비추는 장치가 아니라, 말하는 것과 지각하는 것, 그리고 기억하는 것 사이에 존재하는 작은 시간적 거리를 드러내는 시스템으로 작동한다.
〈감정의 색체〉는 이처럼 소리와 이미지, 반응과 지연이 반복되는 과정을 통해 감정을 고정된 내면의 상태로 바라보기보다, 타인과의 마주침과 소통 속에서 발생하고 지속적으로 변화하는 것으로 제시한다.
30.5 x 30.5 cm Mixed media on Canvas 2023
30.5 x 30.5 cm Mixed media on Canvas 2023
75 x 75 cm Mixed media on Canvas 2023
75 x 75 cm Mixed media on Canvas, 2023
작동되어지는 모습의 스크린 샷
Untitled (Diffusion), 2023
The Untitled (Diffusion) series developed from the idea of circulation, explored in the artist’s earlier Ouroboros project. While Ouroboros considered the question of why humans repeatedly make the same mistakes through the structure of a cycle, this work begins with a further question: why do certain negative events and phenomena not end where they originate, but spread beyond their point of occurrence? Moving beyond the idea of repetition within a closed cycle, the artist approaches this movement across boundaries and its expanding effects through the concept of diffusion.
For this series, the artist employs impasto, a painting technique whose name derives from the Italian word for ‘dough’ or ‘mixture’, allowing the thickness and material texture of the paint to remain highly visible. Rather than representing specific forms, the paintings emphasise physical traces, texture and spontaneous gestures, making the materiality and abstraction of the painted surface central to the work.
The work, however, does not end at the physical surface of the painting. To extend the idea of diffusion beyond the canvas, the artist developed an augmented reality application using Unity. Each painting, created through impasto to evoke fluid forms that appear to spread and diffuse across its surface, is programmed to trigger a different combination of augmented imagery and sound when recognised through a mobile device.
As the AR layer emerges from the physical painting, a corresponding soundscape—such as the sound of flowing water—is activated simultaneously. The application therefore does not simply place a virtual image over a physical painting; it experiments with how a single material image can become a trigger for another visual, spatial and auditory experience.
Through this process, an invisible tunnel is formed between the physical painting and the mobile screen. For the artist, this tunnel represents a network connecting the physical and the virtual rather than a boundary separating them. The image begins on the material surface of the painting and expands into digital and auditory space, extending beyond the limitations of the physical environment in which the work is situated.
Through this movement between material and immaterial, physical and virtual, visual and auditory, Untitled (Diffusion) explores how an image can travel, transform and diffuse across different media and spaces.
Untitled (Diffusion), 2023
〈Untitled (Diffusion)〉 시리즈는 이전 작업 〈Ouroboros〉에서 다루었던 **‘순환(circulation)’**에 대한 질문에서 출발한다. 〈Ouroboros〉가 ‘왜 인간은 같은 과오를 반복하는가’라는 질문을 순환의 구조를 통해 바라보았다면, 이 작업은 그 다음의 질문으로 이어진다. 왜 어떤 부정적인 사건과 현상은 발생한 지점에서 멈추지 않고 다른 곳으로 퍼져나가는가. 작가는 반복되는 현상을 하나의 닫힌 순환으로 바라보는 데서 나아가, 그것이 경계를 넘어 이동하고 영향을 미치는 과정을 **‘확산(diffusion)’**이라는 개념으로 확장했다.
작가는 이 시리즈에서 임파스토(impasto) 기법을 사용하여 물감의 두께와 표면의 질감을 적극적으로 드러낸다. 구체적인 형상을 재현하기보다 물질의 흔적과 즉흥적인 움직임을 강조하며, 물이나 물질이 표면 위에서 퍼지고 확산되는 듯한 형상을 만들어낸다.
그러나 작품은 물리적인 회화의 표면에서 끝나지 않는다. 작가는 ‘확산’이라는 개념을 캔버스 밖으로 확장하기 위해 Unity를 이용해 직접 증강현실(AR) 애플리케이션을 제작했다. 각각의 회화는 모바일 기기를 통해 인식되었을 때 서로 다른 증강 이미지와 사운드를 작동시키도록 프로그래밍되어 있다.
물리적인 회화 위로 AR 이미지가 증강되는 동시에 물이 흐르는 소리와 같은 각각의 사운드가 함께 재생된다. 따라서 이 애플리케이션은 단순히 실제 회화 위에 가상의 이미지를 덧씌우는 장치가 아니라, 하나의 물질적 이미지가 또 다른 시각적·공간적·청각적 경험을 발생시키는 트리거가 되는 과정을 실험한다.
이 과정에서 물리적인 회화와 모바일 화면 사이에는 하나의 보이지 않는 터널이 형성된다. 작가에게 이 터널은 실제와 가상을 분리하는 경계가 아니라 두 영역을 연결하는 네트워크의 선이다. 회화의 물질적 표면에서 시작된 이미지는 디지털 공간과 청각적 공간으로 확장되며, 작품에 주어진 물리적 공간의 한계를 넘어선다.
〈Untitled (Diffusion)〉은 이처럼 물질과 비물질, 실제와 가상, 시각과 청각 사이를 이동하며 하나의 이미지가 서로 다른 매체와 공간으로 변형되고 확산되는 과정을 실험한다.
작동되어지는 모습의 동영상
무표(無標)의 흔적들, Unmarked traces, 인터렉티브 영상, 2022
무표(無標)의 흔적들, Unmarked traces, 인터렉티브 영상, 2022
Trial + Error / Unmarked Traces 2022
Trial + Error is a single-channel video work that extends the artist’s exploration of ‘circulation’, first developed through Ouroboros, towards the recurring errors and desires of humankind.
The work presents an endlessly rotating Tower of Babel reconstructed through ASCII characters. By translating an image into a structure composed of text and symbols, the artist reinterprets the biblical story of the Tower of Babel from the Book of Genesis. Humanity attempts to build a tower reaching towards the heavens, driven by the desire to approach the divine, only to encounter the fragmentation of language and the resulting inability to understand one another. The process of dismantling an image into individual characters and reconstructing it as a visual form echoes this fragmentation of language and communication.
As the ASCII tower rotates continuously, its form appears to distort. The artist deliberately introduces a moiré effect through the interference between the repetitive patterns of ASCII characters and the digital display. Rather than treating this visual interference as an error to be eliminated, the work incorporates it into its mechanism, creating a discrepancy between the information contained within the image and what the viewer’s eyes actually perceive.
The Tower of Babel therefore never exists as a completely stable image. Rotation, textual patterns, the digital display and the viewer’s perception collide, causing the image to continuously shift and distort. The artist uses this ‘error’ or ‘collision’ as a perceptual trigger, allowing the act of viewing itself to become part of the work. At the same time, the rotation never arrives anywhere; it simply continues. Through this perpetual movement, the artist reflects on the contradiction and futility of human progress: while humanity evolves through repeated processes of trial and error, it continues to reproduce the same mistakes and desires for conquest.
Unmarked Traces begins from what remains after Trial + Error. The artist enlarges and reconstructs the fragments of the fallen Tower of Babel as a virtual environment. What was previously observed as the aftermath of collapse becomes a space that the viewer can enter and explore.
Using a separate controller—a mouse—the viewer is able to navigate through this environment. Rather than remaining an observer looking at the traces of an event that has already occurred, the viewer becomes an inhabitant moving through and temporarily occupying its remains.
Together, the two works form a continuous structure. While Trial + Error examines recurring desire, failure and collapse, Unmarked Traces considers what remains afterwards and our position within those remains. Human errors do not simply disappear; they leave traces, and we continue to move, inhabit and make new choices upon the spaces produced by previous failures.
시행 + 착오 Trial + Error / 무표의 흔적들 Unmarked Traces 2022
〈시행 + 착오 Trial + Error〉는 〈Ouroboros〉에서 시작된 ‘순환’에 대한 질문을 인간이 반복하는 과오와 욕망의 문제로 확장한 단채널 영상 작업이다.
작품에는 ASCII 문자로 변환된 바벨탑이 끝없이 회전한다. 작가는 이미지를 문자와 기호의 조합으로 재구성하는 ASCII의 방식을 통해, 성경 『창세기』 속 바벨탑의 이야기를 시각적 구조로 전환한다. 인간은 하늘에 닿는 탑을 세우며 신에게 가까워지고자 하지만, 그 욕망은 서로의 언어를 이해할 수 없게 되는 결과로 이어진다. 하나의 이미지를 서로 다른 문자들의 집합으로 해체하고 다시 형성하는 과정은 이러한 언어의 분열과 소통의 불가능성을 시각적으로 환기한다.
끝없이 회전하는 바벨탑은 움직임 속에서 형태가 일그러지는 듯한 시각적 착각을 만들어낸다. 이 과정에서 작가는 화면을 구성하는 ASCII의 반복적인 문자 패턴과 디지털 디스플레이 사이에 의도적인 **무아레 효과(moiré effect)**를 발생시킨다. 일반적으로 이미지나 화면에서 제거해야 할 시각적 오류로 여겨지는 이 간섭 현상을 오히려 작품의 메커니즘으로 이용하여, 이미지 자체에 존재하는 정보와 관객의 눈이 실제로 지각하는 이미지 사이에 차이를 만들어낸다.
따라서 관객이 바라보는 바벨탑은 하나의 안정된 이미지로 존재하지 않는다. 회전과 문자 패턴, 디스플레이와 관객의 시선이 충돌하면서 이미지는 지속적으로 흔들리고 왜곡되어 보인다. 작가는 이러한 ‘오류(충돌)’를 지각을 변화시키는 트리거로 사용한다. 동시에 끝없는 회전은 어디에도 도달하지 못한 채 반복된다. 이를 통해 작가는 시행과 착오를 거듭하며 진화해 온 인간이 그 과정에서도 같은 과오와 정복의 욕망을 반복하는 모순과 덧없음을 드러낸다.
〈무표의 흔적들 Unmarked Traces〉은 〈시행 + 착오〉 이후의 장면에서 시작한다. 작가는 무너져 땅에 떨어진 바벨탑의 파편과 흔적을 확대하여 하나의 가상 공간으로 재구성한다. 앞선 작품에서 멀리서 바라보던 붕괴의 흔적은 이 작업에서 관객이 직접 들어가 탐색할 수 있는 환경으로 전환된다.
관객은 별도의 컨트롤러인 마우스를 이용해 이 공간 안을 이동한다. 이를 통해 관객은 이미 발생한 사건의 흔적을 단순히 바라보는 관찰자에 머무르지 않고, 그 잔해 위를 이동하고 점유하는 존재가 된다.
두 작품은 하나의 연속된 구조를 형성한다. 〈시행 + 착오〉가 반복되는 욕망과 실패, 붕괴의 과정을 보여준다면, 〈무표의 흔적들〉은 그 이후에도 남아 있는 흔적과 그 위에서 살아가는 우리의 위치를 다룬다. 반복되는 과오는 사라지는 것이 아니라 흔적을 남기며, 우리는 이전의 실패가 남긴 공간 위에서 다시 움직이고 또 다른 선택을 시작한다.
<무표(無標)의 흔적들, Unmarked traces>(2022)
Ouroboros (2022) takes its title from the ancient symbol of a serpent consuming its own tail. The circular form of the ouroboros signifies both an endless cycle and the possibility of transformation occurring between a beginning—the head—and an end—the tail.
The artist uses this structure to examine the relationship between humanity, the environment and climate change. Composed of seven interconnected works, Ouroboros adopts elements of immersive theatre to construct the exhibition itself as a circular system. Rather than encountering each work as an isolated object, viewers move through a sequence of situations concerning consumption, information, repair, waste and regeneration.
At the centre of the project is the idea of the ‘Ouroboros effect’: an attempt to solve one problem may unintentionally generate another problem, which can eventually return to affect its original cause. Through this circular structure, the project considers how human-centred systems of consumption, development and intervention produce environmental consequences that ultimately return to the conditions from which they emerged.
The work was presented in a cultural space converted from a former chemical factory. Existing rooms, machinery and architectural traces were incorporated into the installation rather than treated as a neutral background. A large black curtain carrying the projected image of the ouroboros enclosed the main installation, while the viewer physically entered and moved through the space it defined.
The SITE therefore became part of the work itself: a former industrial environment became the setting in which questions of production, consumption, intervention and environmental consequence were encountered.
Ouroboros, 2022
Variable installation, mixed media, composed of seven works
- Ouroboros — 4 × 3 m, projection-mapped single-channel video, curtain
- Breaking News: Snack Information — variable installation, video, TV, headphones, carpet, sofa, TV stand, floor lamp and books
- Repair, Repaired (Do Action) — variable installation, single-channel video, projector
- Snack Painting 1 — 20 × 24 in, photographic print and acrylic paint on canvas, snack packaging, snacks, mixed media
- Snack Painting 2 — 20 × 24 in, photographic print and acrylic paint on canvas, snack packaging, snacks, mixed media
- Ice Melting — variable installation, projection, single-channel video
- Wasted Island — variable installation, discarded paper, industrial Styrofoam and waste materials, analogue TV, DVD player, with I Am Drifting, video, LCD monitor
Breaking News: Snack Information
Breaking News: Snack Information (2022) is positioned at the entrance, outside the curtain that encloses the main Ouroboros installation.
The work transforms part of the exhibition space into a familiar domestic living room using a television, sofa, carpet, lamp, headphones and books. Within this environment, however, the ‘breaking news’ playing on the television is not actual news, but a constructed news programme performed and produced by the artist.
In the video, the artist repeatedly performs two everyday actions: eating snacks and rapidly scrolling through a smartphone. The two actions follow the same rhythm. Actual news headlines and audio concerning environmental and climate issues are continuously interrupted and replaced, gradually becoming fragmented.
The work began with the artist’s observation of the way information is consumed through smartphones and other digital media. Information of radically different significance can pass through the same interface at the same speed, encouraging a form of consumption that resembles eating a snack: quick, convenient and immediately followed by the next item.
The familiar living-room setting places the viewer inside this condition. Sitting on the sofa surrounded by a TV, lamp and books, the viewer is no longer simply observing a critique of media consumption but temporarily occupies the position of the information consumer.
The work therefore considers not only environmental issues themselves, but also the systems through which those issues are delivered, fragmented and consumed.
Repair, Repaired (Do Action)
Moving further inside the curtain, Repair, Repaired (Do Action) (2022) appears at the beginning of the circular route.
In the video, the artist repeatedly applies white paint to the surface of a blue balloon. The simple action remains ambiguous between protection and damage, repair and interference.
An action intended to preserve or repair something may simultaneously alter, cover or damage it. Through this repetitive gesture, the work questions whether an intervention can ever remain separate from the thing it attempts to repair.
Within the larger structure of Ouroboros, this ambiguity becomes part of the project’s circular logic: an attempt to correct one condition may itself become the beginning of another consequence.
Snack Painting 1 / Snack Painting 2
The Snack Painting works extend the act of ‘eating’ introduced in Breaking News: Snack Information into painting.
The artist reconstructs images and text derived from digital media and snack imagery into an initial collage, which is then printed onto canvas. Physical snacks, packaging and acrylic paint are subsequently added to the printed surface, repeatedly moving the image between digital information and material object.
Texts are obscured or erased, consumed images reappear as physical objects, and the flat printed image is disrupted by material traces.
Through this movement between digital image, print, food, packaging and painting, information consumption and material consumption become part of the same structure. The works translate the act of consuming information ‘like a snack’ back into physical matter, allowing the residues of consumption to remain visible.
Ice Melting
Ice Melting (2022) actively incorporates the architectural conditions of the former chemical factory in which Ouroboros was exhibited.
A room and machinery remaining from the building’s industrial past were retained as part of the installation. The projection was mapped onto the existing machine, while viewers encountered the work from outside the room through a window.
The video is structured through a frame-within-a-frame. In the larger image, ice continuously melts in real time. Within the smaller frame, a blue circular form undergoes a series of transformations before eventually fragmenting.
The circular form recalls the structure of the ouroboros itself, but here the cycle does not simply return to its original state. Transformation produces instability and eventually disintegration.
The machinery continues to occupy the place where it once operated, while the projected image changes across its surface. Architecture, industrial history, image and physical transformation therefore overlap. The window through which the viewer watches becomes another frame, suggesting that nature and human-made systems cannot be understood as entirely separate conditions.
Wasted Island / I Am Drifting
Following the circular route further, the viewer encounters Wasted Island (2022), the largest installation within the project.
The work developed through research into the Great Pacific Garbage Patch (GPGP). The artist considered the unsettling point at which accumulated waste becomes so extensive that it begins to resemble a geographical territory—a landscape produced through human consumption.
Industrial Styrofoam and discarded materials were assembled into the form of an island. Within the structure, a second-hand analogue television silently plays images of the sea.
Nearby, an LCD monitor presents I Am Drifting (2022). The artist uses white noise in a way that can be mistaken for the sound of waves, while a text written from the imagined perspective of drifting waste appears as subtitles. The image of the sea remains silent, while electronic noise begins to assume its sound.
The text gives a temporary voice to an object that has been consumed, discarded and left to drift. Consumption does not disappear when the act of consuming ends; its material consequences remain elsewhere.
Wasted Island therefore turns accumulation into geography. Waste becomes landscape, and the cycle of consumption and disposal becomes physically present as a territory through which the viewer must navigate.
Together, the seven works of Ouroboros form a circular system rather than a linear narrative. The viewer moves through different conditions of consumption, information, repair, waste and regeneration, encountering each as part of a structure in which one action produces the conditions for another.
The cycle does not necessarily restore the system to its original state. Instead, repetition generates transformation, residue and unexpected consequences.
Through this structure, Ouroboros asks how human actions return through the systems they produce—and how attempts to consume, control, repair or resolve one condition may become the starting point of another.
〈우로보로스 Ouroboros〉(2022)는 자신의 꼬리를 삼키는 뱀을 뜻하는 고대의 상징 ‘우로보로스(Ouroboros)’에서 출발한다. 원의 형태를 이루는 우로보로스는 끝없이 이어지는 순환을 의미하는 동시에, 처음인 머리와 끝인 꼬리 사이에서 지속적으로 발생하는 변화의 가능성을 내포한다.
작가는 이러한 구조를 통해 인간과 환경, 기후변화의 관계를 바라본다. 〈우로보로스〉는 서로 연결된 7개의 작업으로 이루어져 있으며, 몰입형 극장(Immersive Theatre)의 형식을 빌려 전시 전체를 하나의 순환 구조로 구성한다. 관객은 각각의 작품을 독립된 대상으로 감상하기보다 하나의 순환적 동선을 따라 이동하며 소비, 정보, 복구, 폐기, 재생의 장면을 차례로 통과한다.
프로젝트의 중심에는 **‘우로보로스 효과(Ouroboros effect)’**가 있다. 하나의 문제를 해결하기 위한 시도가 또 다른 문제를 발생시키고, 그 결과가 다시 원인에 영향을 미치는 구조를 뜻한다. 작가는 이를 인간 중심적인 소비와 개발, 개입이 환경적 결과를 만들어내고, 그 결과가 다시 인간의 삶과 환경에 영향을 미치는 인류세의 구조와 연결한다.
전시는 과거 화학약품 공장으로 사용되었다가 문화예술공간으로 전환된 장소에서 진행되었다. 작가는 공간에 남아 있던 방과 기계, 건축적 흔적을 중립적인 배경으로 두지 않고 설치의 일부로 사용했다. 거대한 검은 커튼에는 우로보로스의 형상이 프로젝션 맵핑되고, 관객은 그 커튼 안으로 직접 들어가 작품들 사이를 이동한다.
따라서 이 프로젝트에서 SITE 역시 작품의 일부가 된다. 과거 산업 생산이 이루어졌던 장소는 생산과 소비, 인간의 개입과 그 결과를 다시 바라보는 환경으로 전환된다.
〈우로보로스〉, 2022
가변 설치, 혼합 매체, 하위 7개 작품으로 구성
- 〈우로보로스〉 — 4 × 3 m, 프로젝션 맵핑 단채널 비디오, 커튼
- 〈Breaking News: Snack Information〉 — 가변 설치, 비디오, TV, 헤드폰, 카펫, 소파, TV 받침대, 스탠드 조명, 책
- 〈Repair, Repaired (Do Action)〉 — 가변 설치, 단채널 비디오, 빔프로젝터
- 〈Snack Painting 1〉 — 20 × 24 inch, 캔버스에 사진 인쇄, 아크릴페인트, 과자봉지, 과자, 혼합 매체
- 〈Snack Painting 2〉 — 20 × 24 inch, 캔버스에 사진 인쇄, 아크릴페인트, 과자봉지, 과자, 혼합 매체
- 〈Ice Melting〉 — 가변 설치, 빔프로젝터, 단채널 비디오
- 〈Wasted Island〉 — 가변 설치, 폐지, 공업용 스티로폼 및 폐산업물, 아날로그 TV, DVD Player, 〈나는 표류한다 I Am Drifting〉 비디오, LCD 모니터
Breaking News: Snack Information
〈Breaking News: Snack Information〉(2022)은 〈우로보로스〉의 주요 공간을 감싸는 커튼 바깥, 입구에 배치된다.
작가는 TV, 소파, 카펫, 조명, 헤드폰과 책을 이용해 전시장의 일부를 익숙한 거실처럼 구성했다. 그러나 TV에서 재생되는 ‘Breaking News’는 실제 뉴스가 아니라 작가가 직접 퍼포먼스하고 제작한 가상의 뉴스이다.
영상에서 작가는 과자를 먹는 행위와 휴대전화 화면을 빠르게 스크롤하는 행위를 반복한다. 서로 다른 두 행동은 동일한 리듬으로 수행된다. 그 사이 실제 환경과 기후 문제를 다루는 뉴스의 타이틀과 음성이 교차하며 점차 화면 속에서 잘리고 대체된다.
이 작업은 스마트폰과 디지털 매체를 통해 정보를 소비하는 방식에 대한 작가의 관찰에서 출발한다. 서로 다른 중요도를 가진 정보들이 같은 화면에서 같은 속도로 지나가고, 우리는 이를 충분히 판단하기 전에 다음 정보로 이동한다. 작가는 이러한 태도를 마치 ‘스낵을 먹듯’ 빠르고 간편하게 정보를 소비하는 방식으로 바라본다.
관객은 내가 집에서 가지고 있을 법한 소파에 앉아 그 화면을 본다. TV와 카펫, 조명, 책으로 구성된 익숙한 환경 안에서 관객은 어느 순간 뉴스를 바라보는 외부의 관찰자가 아니라 이미 뉴스의 소비자가 된다.
따라서 이 작업은 환경 문제 자체뿐 아니라 그 문제가 우리에게 전달되고, 분절되고, 소비되는 방식을 함께 바라본다.
Repair, Repaired (Do Action)
커튼 안으로 들어가면 〈Repair, Repaired (Do Action)〉(2022)이 순환 동선의 시작에 놓인다.
영상에서 작가는 파란 풍선 위에 흰 페인트를 반복적으로 칠한다. 단순한 행동이지만 그것이 보호인지 훼손인지, 수리인지 개입인지 명확하게 구분되지 않는다.
무언가를 보호하거나 복구하기 위한 행동이 동시에 그것을 변화시키거나 덮어버리고, 또 다른 손상을 만들 수도 있다. 작품은 이러한 반복적인 행위를 통해 무언가를 ‘고친다’는 행동이 과연 그 대상과 완전히 분리될 수 있는지를 질문한다.
〈우로보로스〉 전체의 구조 안에서 이러한 모호함은 다시 순환의 일부가 된다. 하나의 상태를 수정하기 위해 시작된 행동이 또 다른 결과의 시작이 될 수 있기 때문이다.
Snack Painting 1 / Snack Painting 2
〈Snack Painting〉 연작은 〈Breaking News: Snack Information〉에서 수행했던 ‘먹는 행위’를 회화로 확장한다.
작가는 디지털 환경에서 가져온 이미지와 텍스트, 과자의 이미지를 재구성하여 1차적인 콜라주를 만들고 이를 캔버스에 프린트한다. 이후 실제 과자와 과자봉지, 아크릴페인트를 다시 화면에 개입시키면서 이미지는 디지털 정보와 물질 사이를 반복적으로 이동한다.
텍스트는 가려지거나 지워지고, 소비되었던 이미지는 다시 실제 사물로 나타나며, 평면의 인쇄 이미지는 물질적인 흔적에 의해 다시 교란된다.
디지털 이미지, 프린트, 음식, 포장지와 페인팅 사이를 오가는 과정을 통해 정보의 소비와 물질의 소비가 하나의 구조 안에 놓인다. ‘스낵처럼 정보를 소비한다’는 행위는 다시 실제 물질로 되돌아오고, 소비 이후에 남겨진 흔적은 화면 위에 그대로 잔존한다.
Ice Melting
〈Ice Melting〉(2022)은 전시가 이루어진 옛 화학약품 공장의 건축적 조건을 적극적으로 활용한 작업이다.
공장 시절부터 남아 있던 방과 기계를 그대로 사용하고, 기존 기계의 표면에 영상을 프로젝션 맵핑했다. 관객은 방 안으로 직접 들어가지 않고 창밖에서 내부를 바라보도록 동선이 구성되었다.
영상은 프레임 안에 또 다른 프레임이 존재하는 구조로 이루어진다. 큰 화면에서는 실제 얼음이 실시간으로 계속 녹아내리고, 그 안의 작은 프레임에서는 푸른 원형이 여러 형태로 변화하다가 결국 파편화된다.
원의 형태는 우로보로스의 순환 구조를 다시 떠올리게 하지만, 이곳에서 순환은 반드시 처음의 상태로 돌아오지 않는다. 변화는 불안정성을 만들고 결국 해체로 이어진다.
기계는 과거 작동했던 장소에 그대로 남아 있고, 그 표면에서는 이미지가 끊임없이 변화한다. 기존 건축과 산업의 흔적, 프로젝션과 물리적 변화가 하나의 화면 안에서 겹친다. 관객이 바라보는 창 역시 또 하나의 프레임이 되며, 자연과 인간이 만든 시스템이 서로 분리되어 존재하는 것이 아니라 얽혀 있음을 드러낸다.
Wasted Island / 나는 표류한다 I Am Drifting
순환 동선을 따라 이동하면 프로젝트에서 가장 큰 설치 작업인 〈Wasted Island〉(2022)와 마주하게 된다.
이 작업은 태평양에 형성된 거대한 해양 쓰레기 지대인 **GPGP(Great Pacific Garbage Patch)**에 대한 리서치에서 출발한다. 작가는 인간의 소비로 발생한 폐기물이 축적되어 어느 순간 하나의 지리적 영역처럼 보일 정도의 규모가 되어버린 상황에 주목한다.
공업용 스티로폼과 여러 폐기물을 모아 섬의 형태를 만들고, 그 안에 중고 아날로그 TV를 배치해 바다의 이미지를 무음으로 반복 재생한다.
그 옆의 LCD 모니터에서는 〈나는 표류한다 I Am Drifting〉(2022)가 재생된다. 작가는 화이트 노이즈를 파도의 소리처럼 착각할 수 있도록 구성하고, 표류하는 쓰레기의 입장에서 쓴 ‘나는 표류한다’라는 텍스트를 자막의 형식으로 함께 보여준다. 바다의 이미지는 침묵하는 반면 전자적인 노이즈가 오히려 바다의 소리를 대신한다.
텍스트는 소비되고 버려진 뒤 표류하는 사물에게 잠시 목소리를 부여한다. 소비라는 행위가 끝났다고 해서 그 결과가 사라지는 것은 아니며, 폐기된 물질은 다른 장소에 남아 새로운 환경을 구성한다.
〈Wasted Island〉는 이러한 축적을 하나의 지형으로 전환한다. 폐기물이 풍경이 되고, 소비와 폐기의 순환이 관객이 직접 마주해야 하는 하나의 영토가 된다.
〈우로보로스〉를 구성하는 일곱 개의 작업은 하나의 선형적인 이야기가 아니라 서로 연결된 순환적 시스템을 구성한다. 관객은 그 안에서 소비, 정보, 복구, 폐기, 재생이라는 서로 다른 상태를 통과하고, 하나의 행동이 다음 상태를 만들어내는 과정을 경험한다.
그러나 이 순환은 반드시 처음과 동일한 상태로 되돌아오지 않는다. 반복의 과정에는 변화와 흔적이 남고, 때로는 예상하지 못했던 또 다른 결과가 발생한다.
〈우로보로스〉는 이러한 구조를 통해 인간의 행동이 자신이 만들어낸 시스템을 거쳐 어떻게 다시 되돌아오는지를 질문한다. 그리고 무언가를 소비하고, 통제하고, 복구하고, 해결하려는 행동 자체가 어떻게 또 다른 상태의 시작이 될 수 있는지를 바라본다.
Variable installation, mixed media; composed of seven work